로버트 배리
Robert Barry
Closed Gallery
로버트 배리, CLOSED GALLERY (1969 – 현재)
Robert Barry는 세스 시겔롭의 “Catalog Exhibition”전에 초대 된 네 명의 개념 예술가 중 한 명이었다. 전시기간을 공식타이틀로 설정하여 진행된 《1월 전》¹ 은 오늘날 우리가 알고 있는 개념 미술의 대표적인 그룹전의 시작이었다. 4명의 예술가 – Lawrence Weiner, Robert Barry, Joseph Kosuth, Douglas Huebler 의 작품이 New York, 44 East Fifty-second Street 매클랜던 빌딩의 사무실 공간에서 열렸다. 상대적으로 그다지 크지 않은 규모의 전시장과 다양한 소재를 사용하는 작가들의 작업들로 인하여 전시장은 익숙하지 않은 분위기를 연출해냈다. 이례적인 장소에서 다소 불확정하게 설치된 《1월 전》 핵심적 관점은, 벽 대신에 소파와 의자 앞 커피 테이블 위에 높이 쌓여있는 카탈로그였다. 시겔롭의 개념은 작업을 보거나 읽거나 하는 장소는 그리 중요하지 않고 오히려 그가 중점을 두는 것은 그가 소위 정보information(=아이디어idea)라고 부르는데 있었다. 시겔롭은 모든 작업은 언제 어디서나 존재할 수 있 수 있다고 판단하고 카탈로그상의 복제 및 인쇄 된 내용물들은 "실제" 작업 만큼이나 동일하게 중요하다고 했다. 즉, 개념과 작품을 동일시 하였다.
1969년대는 오늘날 우리가 알고 있는 동시대미술의 시장이 존재하지 않았다.
그 당시 미술계에는 새로운 신진 예술가도 거의 나타나지 않았으며 미술품 투자자도 극소수였다. 오늘날과 같은 상황은 1969년 이후 10년이 지나서야 비로소 급진적으로 바뀌었다고 볼 수 있다. 그 당시 마케팅 측면에서 보면, '개념 미술'을 구매하거나 수집한다는 생각은 그야말로 미지의 일이었다. 특히 미술의 본질과 역할에 대한 근본적 탐구와 반시장적이고 미술시장의 매매구조에 저항하고자한 개념미술은 더욱 더 어려운 일이었다. Collector들은 언제 어디서 작업을 수집 하는지, 창턱이나 바닥이나 천장에 예술 작품을 놓는 이유는 무엇인지 등 개념에 미술에 대한 전반적 준비가 거의 되어있지 않았다. 개념미술은 아이디어가 중요함에도 불구함에도 Collector에게는 그리 중요한 사항은 아니었다. 따라서 아이디어에 대한 비용지불에 대해서는 더더욱 어렵고 이해하기 힘든 상황이었다.
우리는 Robert Barry와 같은 예술가가 실제로 작가의 전시기간 동안 갤러리가 닫힌다는 것을 인지함에도 불구하고 “Closed Gallery”라는 제목의 예술 작품을 제안한 의도를 파악하는 것이 무엇보다도 중요하다. 1969년 암스테르담의 비 상업적 예술공간인 “Art & Project”에서 시작된 이 작품의 첫 번째 버전은 전시 종료 후, "공연 예술"(Performance Art)로 널리 알려지게 되면서 그 후 급진적인 새로운 매체의 작업으로 소개되기도 하였다.
처음 “Closed Gallery”를 시도했을 때 어떤 의도를 가지고 작업을 진행하였는지를 작가에게 물었을 때, 그의 답은 명쾌하고 분명했다. 무엇보다도 그는 동일한 아이디어를 계속 되풀이해서 반복하기보다는, 자신의 예술영역을 확장하는 데 관심이 있었으며, 그리고 현대를 살아가는 작가로서 작가역할에 대한 의미를 같이 이해하고 싶었다고 하였다. 작가표현을 빌리자면 "모더니즘“의 존재를 포함하여 예술계 전반에 대하여 이해하고 싶었다고 하였다.
예술이란 무엇이며, 예술가는 누구인가? 라고하는 내적자기비판론적 태도들은 1969년대 작가들에게 있어서는 매우 중요한 쟁점이었다. 다양한 문화가 혼재된 글로벌한 환경 속에서 “예술가란 직업”에 대한 문제제기는 예술가라는 전문직업의 역할에 대한 근본적 질문이었다. 이러한 일련의 문제 의식은 이 시기쯤 자신의 갤러리를 닫는다고 말한 세스 시겔롭의 영향을 받았다고 보여진다. (실제로 세스 시겔롭은 뉴욕 화랑을 닫고, 1년 뒤 그는 유럽으로 이주하기로 결정했다.)
앞에서 언급된 내용들이 이번 갤러리 신라의 서울의 전시와 어떤 연관이 있을까?
1960 년대 후반부터 1970 년대 초반까지 “Closed Gallery"를 전시한 갤러리는 유럽 내 3개 갤러리가 있었다. 하지만 이제는 동아시아라는 새로운 공간으로 이동할 시점이 된 것 같다. 오늘날의 한국예술과 한국영화의 국제적인 인기를 감안할 때 이번 한국전시는 매우 이상적인 것으로 보여진다. 이번 한국에서의 ”Closed Gallery“ 라는 개념전시는 한국 특유의 감성을 함축해야 한다. 이 전시는 작가 Robert Barry가 공인(公認)한 전시로서 작업의 단순한 설명을 넘어서 참가자 모두가 공감할 수 있는 것이 되어야한다. 또한 한국전시를 통하여 작가가 제시하고자 하는 개념은 ”Closed Gallery"전 뿐만 아니라 언어의 인식에 초점을 둔 문자작업에서도 표현하고자 하는 “불완전성(Incomplete)"에 대한 개념이다. 다시 말해 현존과 부재에 관한 생각들이다. 예를 들어, 2021년 서울의 Closed Gallery 전시는 이제 1969년의 Closed Gallery가 아니다. 오늘날 우리는 예상치 않았던 코로나 바이러스 팬데믹으로 인하여 전 세계 경제 환경은 훨씬 더 직접적으로 고립되고 닫히게 되었다. 이러한 환경은 우리 시대의 진실로 의미 있는 예술은 어디에 존재하는지? 그리고 매체가 진실을 숨기는 것이 가능할는지? 사라져버린 것은 무엇인지? 하는 의문들을 제기한다. 작가는 이 사안들에 대해 <이 세계는 현존과 부재가 동시에 존재한다.>는 사실을 그의 작업을 통해 이야기 하고자 한다.
이번 2021 ”Closed Gallery“의 전시는 우리에게 ”잃어버린 것“과 동시에 ”얻은 것도 있다“는 것을 제시하고 있다. 그는 개방적이고 접근 가능한 예술과는 대조적으로, 숨겨져 있고 접근 할 수 없는 닫힌 예술 작품과 만날 때 관람자가 가질 수 있는 일련의 인식과 새로운 관점을 제안하고자 한다.
Text by Robert C, Morgan (Ph.D).
¹ 시겔릅 (Seth Siegelaub)이 기획한 《1월 전》의 원 전시명은 <1969년 1월 5일~31일> 이다. 이 전시의 명칭은 《1월 전》으로 더 많이 지칭된다. 시겔롭은 전시 설명물에서 “전시(전달되는 아이디어)는 카탈로그로 구성되고, (작품의)물리적 제시는 카탈로그를 보관하는 것”이라고 말하며, 전통적인 전시형태를 거부했다. 아이디어가 전시의 형식을 지배했고, 작가는 인쇄물 등 직접적 재료로 그의 아이디어를 드러냈다. 전시가 열린 매클랜던 빌딩의 사무실은 전통적인 갤러리에 포함된 미학적 기대감을 피하려 했던 세스 시겔롭의 목적과 완벽하게 어울렸다. (전영백, 현대미술의 결정적 순간들 ,한길사, 2019, 427쪽)
English
Robert Barry, CLOSED GALLERY (1969 – present)
by Robert C, Morgan
Robert Barry was one of the four conceptual artists that showed in Seth Siegelaub’s so-called Catalog Exhibition. The formal title, “January 5 – 31, 1969,” referred directly to the duration of the show. This was the beginning of conceptual art as we know it today. The work by the four artists – Lawrence Weiner, Robert Barry, Joseph Kosuth, and Douglas Huebler - was shown in a rented office space at 44 East Fifty-second Street. Given the relatively modest scale and diverse materials employed by the artists, their works were given unusual settings within the space. They were placed more or less indeterminately in atypical locations. Instead of the walls, the central visual focus of this exhibition was a stack of catalogs placed on a coffee table in front of a couch and chair. Siegelaub’s concept was that it did not matter where you saw or read the work. Rather the emphasis was on what he called “information.” According to Siegelaub, the work could exist anywhere at any time; and, therefore, what was reproduced and printed as content in the catalog was equal in importance to the “actual” work.
In 1969, the market for contemporary art – as we know it today – did not exist.
There were few “emerging artists” and fewer investors. This would change somewhat radically a decade later. Within the presumed marketing context of contemporary art, the notion of purchasing or collecting “conceptual art” was an unknown factor. How do you collect work that can be anywhere at any time? Why place a work of art on the windowsill or on the floor or ceiling? From a conceptual point of view, this has little importance given the priority of the idea. Even so, how do you pay for an idea?
It is important to grasp why an artist, such as Robert Barry, would want to propose a work of art, entitled Closed Gallery, which essentially meant the gallery would be closed for the duration of the artist’s exhibition. Beginning in 1969 in a non-commercial art space in Amsterdam, titled Art & Project, the first version of this “piece” (a term used to indicate the work is neither painting nor sculpture) introduced a radical new medium that was in the process of becoming known as “performance art.”
When Barry was asked what he was thinking when he launched his first Closed Gallery, his response was clear and to the point. Firstly, he was interested in pushing the boundaries of his art rather than repeating the same ideas over and again; and secondly, he wanted to understand what it means to function as an artist in modern times. To put it directly in the words of Barry, he was “adding to what Modernism could be.”
In brief, the issues were: What is art and who is an artist? In 1969, these concerns were of maximum importance. They were a means of questioning the occupation of art and of coming to terms with the profession of making art into a global environment where various cultures still seemed to play a role (which is less true today). Undoubtedly, some of this was inspired by Seth Siegelaub who spoke of closing his gallery around this period and, in fact, did precisely that. A year later he had decided to move to Europe.
So what does this have to do with Gallery Shilla in Seoul? There have been at least three galleries in Europe that have revived Closed Gallery (since the period of the late 1960s and early 1970s) and now it appears the time has come to move it to another continent, namely East Asia. Given the current popularity of art and cinema in Korea, this would appear the ideal place. The installation of Closed Gallery in Seoul should imply a unique Korean sensibility. This notion was something the artist, Robert Barry, endorsed, thus allowing the work to resonate beyond a mere description. Another issue that concerns Barry is his concept of ‘incompleteness’ as it relates not only to Closed Gallery, but also to his current work that focuses more specifically on the perception of language. What we need to know in Barry’s work is what is already there. Only then will it become possible to know what is not there. For example, Closed Gallery in 2021 is not Closed Gallery in 1969. Economics have entered more directly into the closure. What is being left out? Where is the truly significant art of our time? Is it possible that media conceals the truth? To clarify these issues is to be present and absent at the same moment. Closed Gallery suggests there is something missing. These are some of the questions and concerns viewers may have upon coming into contact with a work of art that is closed – hidden and inaccessible – in contrast to being open and accessible.