영국 출신으로 현재 런던 및 전 세계 각지에서 활발한 작품 활동을 하고 있는 알란 챨톤(Alan Charlton, 1948~ )은 세계 현대 미술계의 중요작가로서 자리매김 되고 있습니다. 40여년간 회색만 그려온 작가는 스스로를 “회색그림을 그리는 사람”이라고 명명합니다. 가장 평범하고 기초적인 물질로 만든 회화를 통해 그의 작품들이 정직하고 압축적이며, 직접적이고 도시적이며, 순수하고 단순하며, 조용하고 절대적이기를 원합니다. 그는 “회색은 표현력이 가장 낮은 중성의 색이먀, 색의 의미보다는 빛의 밝기를 표현하면서 명도의 무한한 변주가 가능해서.” 라고 말합니다. 공간속에서 우러나오는 아우라를 통해 숭고한 정직함으로 일관되게 작업해온 알란 챨톤의 철학과 작업들은 동시대의 많은 예술가들에게 이론과 실천적 영감을 주고 있습니다. 매번 어떤 공간과 상황에서도 자기 자신만의 흔들리지 않는 시각과 진실하고도 고귀한 실행을 보여주는 작가입니다.

​

“Alan Charlton(born 1948) is an artist who makes a gray painting”—so goes the artist’s self-stated epigram. In the 1970s, Charlton famously decided to make monochromatic paintings using only shades of gray and canvases whose dimensions are factors of 4.5 cm. Charlton settled on gray because he considered it the epitome of ordinary, but quickly realized the color’s permutable potential and expressiveness. Though he works within these strict parameters, Charlton has explored a wide variety of formal possibilities and combinations using his limited materials. He tends to work serially and methodically through iterations of an idea. “I want my paintings to be: abstract, direct, urban, basic, modest, pure, simple, silent, honest, absolute,” Alan Charlton says of his work. Each layer of paint is sanded producing a grey, velvet texture, a light absorbing uniform surface. This use of colour asks the viewer to concentrate predominantly on the form, from crosses, rectangles, squares and their borders to voids within shapes. The space where two canvases meet, four corners cut out of a canvas square, an outline physically painted on the wall. We look at these grey structured shapes and become aware of how they affect the space beyond their borders. Charlton feels it is important that the work maintains an honesty to the space it exists in. His paintings change our relationship to the surrounding architecture, highlighting the areas between the paintings. It forces us to read the spaces within and around the paintings.